jueves, 31 de julio de 2008

El arte de la esquina

Boletín Mensual Nº 12


Julio de 2008



Paul Klee. Little Jester in a Trance. 1929. Oil and watercolor on hessian. 50 x 35.5 cm. Museum Ludwig, Cologne, Germany


Sumario


La pintura expresionista
Paul Klee
La Estética del Renacimiento (Primera Parte)
Reportaje a Santiago Sposaro


La Pintura Expresionista
Presentación y selección de Elsa Sposaro

Todos los movimientos son en general respuesta y oposición al período inmediato anterior. No escapa a esta característica el Expresionismo. que surge en Alemania en oposición al positivismo materialista, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía de Nietzsche (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla.El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes. Aunque el término expresionismo no se aplicó a la pintura hasta 1911.En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos. El primero se desarrolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El Puente), y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), del que surgirá la primera pintura abstracta ; el tercero se desarrolla en el periodo de entre guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad), con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros grupos citados.

En Alemania, el movimiento abarcaba dos grupos. Los artistas jóvenes, activos entre 1905 y 1913, que componían el grupo Die Brücke estaban, como los fauves, inspirados en el arte africano, cuya fuerza y energía trasladaban a su propia obra. El grupo estaba formado por Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel y Emil Nolde, entre otros. Representaban los sufrimientos de la humanidad con un estilo parecido, en cierto modo, al fauvismo, pero con el ingrediente añadido de la angustia. La obra temprana del noruego Edvard Munch, de gran carga emocional, era bien conocida en Alemania y produjo honda impresión en los artistas de Die Brücke.


El grito (1893) de Edvard Munch se considera el primer cuadro expresionista. Aunque el pintor noruego no militó en las filas de este movimiento, está considerado como su principal precursor por la capacidad para retratar los conflictos internos de sus personajes.


Algo más tarde, en 1911, Franz Marc y el artista nacido en Rusia Wassily Kandinsky encabezaron la otra fase del expresionismo alemán por medio del grupo Der Blaue Reiter, en Munich; se inspiraban en el llamado arte primitivo, en el fauvismo y en el arte popular, y la modalidad expresionista que practicaban evolucionó hacia una forma de pintar que anticipaba el arte abstracto.
Der Blaue Reiter (en alemán, ‘el jinete azul’) es una asociación informal de artistas expresionistas formada en Munich (Alemania), en 1911. Tomaron el nombre de un cuadro de Kandinsky titulado Der Blaue Reiter (1903) y de un almanaque que contenía varios ensayos sobre pintura y música contemporáneas. Esta publicación y el libro de Kandinsky, De lo espiritual en el arte (1912), fueron los dos textos teóricos fundamentales del grupo. Al igual que Die Brücke, grupo expresionista berlinés que también expuso con ellos, Der Blaue Reiter rechazaba toda convención y buscaba la expresión individual, pero su orientación era internacionalista y no existía homogeneidad de estilos.
Los miembros principales dentro del grupo fueron los rusos Wassily Kandinsky y Alexéi von Jawlensky, los alemanes Franz Marc y August Macke, el suizo Paul Klee y Alexéi von Jawlensky y otros pintores rusos, así como cubistas y fauvistas procedentes de París, participaron en sus exposiciones como artistas invitados.
Tenían en común el deseo de expresar lo que el catálogo de su exposición describía como sus “impulsos íntimos”. Exaltaron la ingenuidad de la infancia, pero no mostraron un gran interés por el arte naïf.
El grupo se disolvió al estallar la I Guerra Mundial, pero su influencia continuó a través de la Bauhaus, donde, años después, fueron profesores Kandinsky y Klee.
La pintura expresionista es directa y espontánea, respondiendo a las necesidades subjetivas del artista, jugando su sentimiento y su mundo interior un papel esencial (de carácter instintivo y exaltada en Die Brucke y de carácter espiritual y sosegada en Der Blaue Reiter).En el expresionismo el contenido naturalista de la forma se manifiesta mediante la libre interpretación de la realidad, así, las imágenes son creadas y no copiadas expresando el mundo subjetivo del artista. Para ello realiza una desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior, una esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo, camino por el que Kandinsky llega a la abstracción total.
El expresionista hace un uso del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente diferentes estados de ánimo.Hay una destrucción del espacio tridimensional. y una acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen y aglomeración de formas y figuras.Encontramos un predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die Brucke y de líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue Reiter.Hay un uso de colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en Die Brucke y de forma más meditada en Der Blaue Reiter).El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia.El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.

Ha recibido el expresionismo influencias del arte primitivo en especial de la escultura africana y oceánica, como de los dibujos infantiles, lo que se evidencia en las formas simples.
También fue influido por el postimpresionismo y artistas como Van Gogh, Gauguin, James Ensor, y Munch, a los que nos dedicaremos en otras ediciones. Y del cubismo y del fauvismo, el reduccionismo se las formas y el uso de colores vivos y vibrantes. Entre los principales artistas que adhirieron al expresionismo encontramos por ejemplo a Emil Nolde, Oscar Kokoschka, Wassili Kandinsky y Paul Klee, entre otros. También están en otros países artistas como Matisse, Derain, Modigliani, Picasso, Chagall, entre otros.
En Latinoamérica sobresale el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín quien, influido por los muralistas mexicanos, utilizó una técnica expresionista al tratar temas indigenistas de su país. En España el expresionismo se volcó hacia las representaciones de significado social. Entre los españoles sobresalen José Gutiérrez Solana, Benjamín Palencia, Pancho Cossío, Francisco Mateos, Rafael Zabaleta y Eduardo Vicente.

Paul Klee
Presentación y selección de Elsa Sposaro


"Dejo ahora el trabajo. Me he compenetrado del ambiente de una manera tan suave, que, sin esforzarme, me siento cada vez más seguro. El color me domina. No necesito ir en busca de él. Me posee, lo sé bien. He aquí el sentido de este momento feliz: yo y el color somos uno. Soy pintor".

Paul Klee

Red bridge-Paul Klee


Paul Klee pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno nació el 18 de diciembre de 1879, en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza. Ciudadano alemán, Klee vivió la mayor parte de su vida en Suiza. Su padre fue músico y profesor de la escuela estatal de Berna, en Hofwil, adonde se trasladó al casarse con una estudiante de canto nacida en Basilea. Paul Klee a los siete años es un eximio violinista, y a los once integra la Orquesta de la Sociedad Musical de Berna
En 1898 se trasladó a Munich y estudió arte en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeros trabajos fueron estudios para paisajes realizados a lápiz que muestran la influencia del impresionismo.
En 1906 se casa con Lily Stumpf, una pianista a la que había conocido siete años antes. Expone sus grabados por primera vez en Munich.
En 1911 entró en contacto con August Macke y Wassily Kandinsky, promotores, junto con Franz Marc, de El Jinete Azul. De este grupo nacerá la abstracción de Kandinsky.
Hasta 1912, realizó incluso aguafuertes en blanco y negro; las insinuaciones de fantasía y sátira de estos trabajos muestran la influencia del expresionismo del siglo XX, así como de los maestros grabadores Francisco de Goya, y William Blake.
Realizó un viaje a Túnez, África en 1914 y descubrió la grandiosidad del color. Llegó a declararse “poseído por el color”. Sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas armonías cromáticas delicadas y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos.


Paul Klee - "On a Motif from Hamamet" - (1914) Tempera on board - Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland - Image Copyright � (cf. Olga's Gallery)


La Primera Guerra Mundial no interrumpe su carrera; aunque se le llama a filas, no se incorpora hasta 1916, y siempre en cómodos puestos de retaguardia. Su obra, de hecho, conoce un rápido éxito comercial durante los años de la Guerra, y corre mejor suerte que la de sus amigos Marc y Macke, caídos en el frente.
Después de la guerra participa de forma activa en el Consejo de Artistas de la efímera república comunista proclamada en Baviera. Esta breve experiencia le acerca a las posturas que reclamaban el protagonismo de los artistas modernos en la formación de artesanos y profesionales dedicados a la producción de objetos de uso.

Autorretrato, 1919, Óleo sobre yute-Paul Klee



Entre 1920 y 1931 trabaja como profesor en la Bauhaus, la escuela alemana de arte más vanguardista, junto a otros arquitectos y artistas como el pintor ruso Wassily Kandinsky, y el pintor y diseñador húngaro Laszlo Moholy-Nagy.
“Il giardino del templo” Acuarela, 1920

Carnival in the mountains (1924)- Paul Klee

En Pedagógico Sketchbook (1925), uno de sus importantes ensayos sobre teoría del arte, Klee ha tratado de definir y analizar los principales elementos visuales y las formas que podrían aplicarse. In 1931 he began teaching at Dusseldorf Academy, but he was dismissed by the Nazis, who termed his work "degenerate." En 1931 comenzó a enseñar en la Academia de Dusseldorf, pero fue despedido por los nazis, que denomina su obra "degenerada".

“Simbad el marino” 1928. Óleo sobre yute-Paul Klee

En 1933, Klee fue a Suiza.There he came down with the crippling collagen disease scleroderma, which forced him to develop a simpler style and eventually killed him. In 1933, Klee went to Switzerland.Desde 1935, afectado una esclerodermia, y se ve obligado a usar un estilo más sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados. Sus temas artísticos durante este periodo adoptaron un tono pesimista.
Con pequeños altibajos, su producción continúa.
Algunas obras aluden a la hostilidad de los tiempos, pero dominan los cuadros en los que el color y el componente gráfico se aúnan en característicos pictogramas que guardan cierta similitud con los jeroglíficos.
En Alemania las cosas empeoran; aunque la difusión de su obra en Francia, Inglaterra y los Estados Unidos crece de forma imparable, los nazis incluyen una buena representación de sus dibujos y pinturas en la exposición Arte degenerado, de 1937. Los últimos cuatro años de su vida son una lucha constante contra las dificultades burocráticas y contra la enfermedad, que acaba por vencerlo en un sanatorio de Locarno en 1940.
Klee murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940. Sus cenizas no pudieron reposar en el cementerio de Berna, su ciudad natal, hasta seis años más tarde, tras la muerte de su mujer.
Su obra influyó en los surrealistas posteriores, así como en los artistas no objetivos, y fue una fuente de inspiración fundamental para el nacimiento del expresionismo abstracto.
Sin duda Paul Klee tenía un estilo artístico específico, creó una serie de obras famosas por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación. Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Podemos definirlo como pintor, grabador, músico y maestro.
David Diamond (1915-2005), compositor estadounidense creó una obra como The World of Paul Klee (1957), compuesta de cuatro movimientos inspirados en cuadros del pintor suizo.

Centro Paul Klee de Berna- arquitecto Renzo Piano



La Estética del Renacimiento
por la Lic. Alicia Grela Vázquez



El Renacimiento es un movimiento cultural riquísimo que suele limitarse los grandes logros de los siglos XV y XVI, pero que arranca por lo menos, dos centurias antes. En los siglos XIII y XIV puede considerarse por lo menos la existencia de un “proto-renacimiento” con Bocaccio y Petrarca.
El Renacimiento es volver a nacer y lo que renace es la cultura antigua griega y romana. En este renacer se humaniza al hombre y a la naturaleza.
El Renacimiento es la culminación de un período de cambios iniciados mucho antes. El nuevo ambiente renacentista surge con la consolidación de la burguesía y el auge y la expansión del comercio. Los mercaderes enriquecidos, devenidos en banqueros y los artesanos que tomaron tres caminos: continuar como tales, transformarse en artistas o en empresarios dentro del capitalismo naciente forjan las características únicas de estos tiempos.
El Renacimiento pretende encontrar en el pasado clásico una fuente de inspiración, no copiarlo o imitarlo.
El Renacimiento, el Humanismo y la Reforma son tres dimensiones de un solo movimiento: tres momentos y corrientes de pensamiento y de vida.
El Humanismo tiene como centro al hombre y nada más que a él. El hombre vuelve a ser “la medida de todas las cosas”, como señala Protágoras.
El Humanismo renacentista tiene como figuras representativas a Erasmo, Juan Luis Vives y Tomás Moro. Muestra una tendencia integradora del pensamiento, la complejidad de creencias y de vivencias de la época, aunándolas.


Tomas Moro y Erasmo


Es un intento de vivir la fe de una manera diferente de la puramente fiducial. La fe ya no es crédula simplemente sino ilustrada. Es la que busca la razón de sí misma.
Por otra parte, hay un reconocimiento de la grandeza del hombre. Se lo exalta a él y a sus manifestaciones individuales supremas, sobre todo en el Arte.
Además, se expresa un sentimiento profundo, casi dionisíaco, de la belleza misma de la vida.
En estas tendencias equilibrantes hay, no obstante y por ello, tensiones que no se mantienen de igual modo con la Reforma. Con ésta se va a un súper teologismo: la defensa de Dios en detrimento del hombre y una “cismundaneidad” o secularización, consistente en la absolutización de la realidad terrena (el más acá).
Lutero, con el “servo arbitrio” hace de la libertad una esclava del hombre y se opone al concepto consagrado de “libre arbitrio”. Aquí se vuelve a concebir la realidad como racional (lógica). El mundo tiene leyes que son comunes a las de nuestro pensamiento. El logos rige el orden externo y el hombre por él conoce la legalidad. Esta razón (logos)es el factor común entre el mundo y el hombre y hace posible por eso el conocimiento. Éste consiste en saber lo que las cosas son y las leyes que las rigen.
El Renacimiento, como luego toda la Modernidad, enfatizó el conocimiento. Los viajes a “nuevos mundos” aportaron a Europa culturas, tierras, animales, plantas y riquezas desconocidas.
La Estética renacentista respeta el sistema clásico de las Bellas Artes. Distingue entre artes del espacio o artes plásticas: Arquitectura, Escultura y Pintura y artes del tiempo o artes rítmicas: Danza, Música y Poesía.
El platonismo se reaviva como neoplatonismo, cuando Cosme de Médici (el Viejo) funda en Florencia una escuela a imitación de la Academia. Tiene enorme influencia en el Arte y enseña que el universo está regido por leyes armónicas imperecederas, eternas al modo pitagórico.
El paradigma renacentista es Florencia. Esta ciudad se moldea durante trescientos años principalmente por el hacer de una de sus familias: Los Médici y sus transacciones internacionales.
Lorenzo de Médici, el Magnífico, su mayor exponente: poeta, político, coleccionista y estratega, convoca a su corte a intelectuales y artistas. Estos buscan reglas matemáticas para hallar las proporciones ideales y fundar una actividad eminentemente racional.
Platón en el “Hipias Mayor” afirma: “Debemos considerar lo bello, no los objetos particulares calificados de bellos”. Sin embargo ese ideal externote belleza continuamos buscándolo en sus expresiones singulares. Es por eso que al mencionar el Renacimiento hacemos un inventario de sus obras maestras.
Los problemas de la Estética renacentista son las relaciones con la Naturaleza, la Religión, la Moral, la Ciencia y la Industria. Es por eso que al tratarla es necesario considerar dos agentes que están estrechamente vinculados con ella y sus logros: los mercenarios y los mecenas.
Las ciudades-estados utilizan los servicios de los primeros (caballeros) en sus proyectos expansionistas y les están muy agradecidas al punto de levantarles estatuas.
Andrea de Cioni, el Verrocchio, es el autor de la egregia escultura ecuestre que evoca sus pasadas luchas.

Estatua del mercenario- Verrocchio


El padrinazgo de la burguesía, por otra parte, hace que el artesano deje de ser anónimo, en honor a sus méritos. Esta clase social en ascenso y el clero, junto con la nobleza (aunque en menor medida) contratan por amor a su propia gloria y vanidad a hombres talentosos, que trabajan a su servicio con un rédito que puede ser mayor o menor, como ejemplifican Rafael y Miguel Ángel respectivamente.

Miguel Ángel a los 65 años. Se le atribuye a Jacopino del Conto, pero no se descarta la posibilidad de que sea un autorretrato. Es muestra elocuente de su fatigada tristeza Interior.


En este contexto los gremios medievales conservan aún su fuerza y poder. Así es como pueden llamar a concurso para la realización de obras importantes, como la puerta del Baptisterio de Florencia, ornamentada con figuras tridimensionales, por Lorenzo Ghiberti.

Puerta del Baptisterio de Florencia-Ghiberti

El Renacimiento es un proceso histórico que se derrama en ambos sentidos desde su culminación en los siglos XV y XVI y también es geográfico. Su centro es Italia. Si se acerca la mirada es posible reconocer grandes núcleos en Florencia, Roma y Venecia. Desde allí se expande al resto de Europa.
En el sentido temporal el Renacimiento italiano se diferencia en tres fases: el primer período va de 1420 a 1500; el segundo: Alto Renacimiento de 1500 a 1530; y el tercero y final: el Manierismo: desde1530, transición entre el Renacimiento y el Barroco.
En el resto de Europa esta expresión aparece condicionada por la Reforma de Calvino, Lutero y Enrique VIII. En España fue demorada por la Contrarreforma y la sanción de las Leyes Nuevas (para la protección de los nativos americanos).

Juan Calvino

Martín Lutero




Enrique VIII



El Renacimiento en Italia coincide con una era de descubrimientos y una visión nueva del Viejo Mundo.
Florencia prospera bajo el gobierno de los Médici y con los consejos de Maquiavelo, quien en “El Príncipe” dictamina que el fin justifica los medios, cuando es para el bien común.
Esta ética libre de anteriores escrúpulos morales y religiosos permite el enriquecimiento y su producto se vuelca en maravillosas obras de arte.
Lorenzo el Magnífico se rodea de un selecto grupo de artistas, científicos, poetas, militares, diplomáticos y filósofos. Todos ellos llevan a considerar que el rango del hombre está dado no por su origen, sino por sus logros. así el Renacimiento es un canto a la autoestima, a la autoconfianza, a la audacia y a la búsqueda.





Lorenzo el Magnífico


Nota: Actualmente el Museo del Prado realiza una Exposición llamada “El retrato del Renacimiento”. Haga clic en el siguiente vínculo para más información:

El retrato del Renacimiento

Reportaje a Santiago Sposaro

Santiago Sposaro es argentino, residente en España. Es un joven arquitecto que matiza sus actividades laborales con la Música y la Pintura desde hace unos años.

-¿En qué etapa de su vida descubrió que se sentía atraído por el Arte? -¿Desde cuándo se dedica al Arte?


Desde muy chico, recuerdo cuando estaba en jardín de infantes nos hicieron hacer un dibujo del jardín de infantes y en vez de hacer el típico dibujo de frente con el techito y las ventanas, hice un dibujo en planta como en arquitectura: la planta del jardín de infantes con los espacios interiores y exteriores; la maestra jardinera se sorprendió y cuando me vino a buscar mi papá le contó lo que había dibujado, que no era común para la edad de 5 años, pero mi padre (arquitecto) le respondió que era porque me subía al tablero de dibujo de él y miraba como hacía sus proyectos. Por lo que de chico ya hacía dibujos.
Luego en el secundario me gustaba dibujar en los márgenes de las hojas y la parte de arriba también, imaginate lo que era la carpeta a mi me encantaba, pero a una profesora mucho no y me hizo hacer la carpeta de su materia de nuevo, sin dibujos ¡jaja!, el resto de los profesores no me decían nada.
La música es algo que también me atrae mucho, empecé con el piano porque en mi casa había uno y me encantaba. Luego en el secundario me juntaba con amigos a tocar y estaba muy bien; estudiar música mucho no estudié. A los 15 años fuimos con unos amigos a un profesor que enseñaba piano, guitarra, bajo, batería todo el solo, fuimos poco tiempo creo 3 meses, pero fue cuando aprendí los acordes, luego como a los 24 años fui 1 año y medio a un profesor que me enseñó buenas cosas, pero la música es para mí algo para sentirme bien, en mi casa, distenderme o juntarme a tocar con amigos y pasarla bien.
A los 17 años comencé a trabajar en arquitectura estaba en 5to año del secundario y al año siguiente con 18 años empecé a estudiar Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires, en Argentina.
Con la pintura empecé a los 22 años, ya estaba estudiando arquitectura, y me sirvió para canalizar muchas cosas internas mías y sacarlas afuera, también me hace sentir muy bien, desde hace 5 años que estoy pintando más seguido.
La fotografía también me atrae mucho.



Alcalá de Henares-Santiago Sposaro

-¿Cuándo sintió que se había convertido en un artista?

La verdad es que no me siento un artista. Esas son palabras mayores.


Ganado de quién- Santiago Sposaro


-¿Se considera pintor o dibujante?


Me hace bien pintar y dibujar y si a eso se lo llama así, puede que sea las dos cosas, aunque se que me falta mucho para que me llamen así, me gusta más que me llamen por mi nombre y me traten como persona, no como pintor o dibujante, eso es poner por delante lo que uno hace más que lo uno es.

Conil-Santiago Sposaro

-¿Puede combinar armónicamente la Arquitectura y la Pintura?


Sí, claro que sí. No seré el primero. Se hizo de toda la vida, ya en la época de las cavernas se pintaba en los muros de las cuevas, luego podemos hablar de Egipto en sus pirámides y templos, en Grecia sus templos tenían diferentes colores no eran del color de la piedra como se ven hoy, en Roma lo mismo, mucho más adelante en el Renacimiento época en que hubo nombres como Brunelleschi, Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, hombres que supieron dedicarse tanto a la arquitectura, pintura y escultura.
Más cercano a estos tiempos tenemos a Le Corbusier, uno de los líderes del movimiento moderno de la arquitectura del siglo XX, que no sólo hizo muchísima arquitectura sino que también se dedicó a la Pintura (hace poco hubo en exposición de sus pinturas en Madrid).




El Escorial- Santiago Sposaro

-¿Sirve la pintura para conocerse a uno mismo?


Y... para mí sirve para buscarme adentro de mí. Esa es la razón por la que pinto. Si te sentís bien adentro tuyo podés estar bien con los demás, podés estar bien en cualquier lugar del mundo.
Mirá, ahora estoy haciendo una serie de dibujos de mis viajes por Europa. Muchos croquis en lápiz o lapicera, acuarelas y otras técnicas, y la serie termina con un texto que dice “el mejor lugar para viajar es adentro de uno mismo”.

Venecia- Santiago Sposaro

-¿Qué quiere expresar con su pintura?

Ahora estoy haciendo una serie de pinturas, las llamo ”pinturas espirituales”, que muestran la unión espiritual del mundo, la familia, los amigos y la pareja (en estas dos últimas, ando por los bocetos, todavía no están pintadas). Para ello uso figuras de seres que sean atemporales, o sea que no marquen una época de la historia, por eso sin ropajes, solo figuras; y los colores son colores tierras, no uso colores fuertes para que lo que se exprese sea la idea y mensaje y significado por encima de los colores o las formas.



La familia-Santiago Sposaro


-¿Busca algo cuando pinta o dibuja?


No busco, encuentro (piensa)...paz, amor, tranquilidad, a mi espíritu, mi alma, una mente más limpia, andar sin pensamientos, la mente vacía, felicidad; que más puedo pedir, eso ya es mucho.

-¿Qué materiales utiliza habitualmente ?


De todo, para dibujar lápices, lapiceras, marcadores, crayones, tintas, acuarelas. En la Pintura acrílicos y óleos.

-¿Qué opina del mundo de las galerías, los marchands y el negocio del arte en general?


No tiene nada que ver con lo que uno siente cuando pinta. Es como el agua y el aceite.

-¿Qué piensa de las obras que actualmente se muestran?


Hay de todo como en todas las cosas, obras buenas, muy buenas y otras que no dicen nada. Lo que sí, estar en Madrid (llegué hace 3 años) que es una ciudad que invierte mucho en arte y hay exposiciones y movidas todo el tiempo, me influyó bastante y me abrió mucho la cabeza también.
-¿A su entender, para qué sirve el arte?


Para transmitir un mensaje, un significado, una idea, una expresión.




Lo mejor de la tierra-Santiago Sposaro

-¿Qué mensaje le enviaría a las personas que quieren iniciarse en el Arte?


El arte está adentro de uno, adelante.



2 comentarios:

elycosmetica dijo...

Ha llegado a mi correo, la información de su blog, que por cierto me ha interesado recorrer ya que compartimos el mismo gusto por el arte.
Continuaré visitándolo asiduamente para ir leyendo toda la información que contiene y recreándome con sus obras.
Me encantaría visitara los míos y dejara su opinión, ya que creo que todos nos nutrimos de las distintas miradas y podemos aprender de ellas.
Para mí, es un placer que haya quienes sigan difundiendo el Arte. Por mi parte, voy a enlazar su link a uno de los míos para que éste sea consultado.

http://www.creartecnicas.blogspot.com
http://www.elyartec.blogspot.com

Cariños.
Eliana Roiger

Matias dijo...

Muy enriquecedora la entrevista a Santiago Sposaro, e interesante su muestra.

Matias de Buenos Aires, Argentina