jueves, 1 de abril de 2021

El arte de la esquina

 El arte de la esquina

Año XV N° 191            

Abril de 2021

 

Texto: Alicia Grela Vázquez

Imagen: Elsa Sposaro


Cosmogonía Vasca


SUMARIO

Apuntes para una Estética de la Abstracción Pictórica

Cosmogonía Vasca

Apuntes para una Estética de la Abstracción Pictórica


Jackson Pollock trabajó para la Works Progress Administration (WPA) instituida en el marco del New Deal y pintó bajo la influencia de Pablo Picasso, el Surrealismo de Salvador Dalí y el Psicoanálisis de Carl Jung, que usó como terapia. Otra fuente de inspiración que añadió fue la cultura de los nativos americanos, con sus obras de formas simbólicas y sus pinturas de arena.




Jackson Pollock plasmó en la tela no una imagen, sino un hecho. Él fue la tendencia intermedio entre la Figuración y la Abstracción, gestual y representativo a la vez. A partir de 1946 pintó abstracciones de figuras biomórficas. Su obra se centró en representar primero la figura masculina. Pero desde 1950 se dedicó a su serie más conocida: Mujeres.


Jackson Pollock Art

https://www.youtube.com/watch?v=ZmmE9DPIrO0


La figura femenina se identificaba por unos senos de enorme tamaño y sus formas agresivas hacían de ellas símbolos de fertilidad y de madre nutricia, pero también de la mujer erótica o devoradora de hombres (vampiresas). Jackson Pollock recurría a colores primarios intensos y vivos. El blanco y el negro le servían para realzar sus figuras. Sus pinceladas eran violentas y aplicaba la pintura arrojándola.


Inspiration Excerpt: Pollock (2002)



Willem  de Kkooning trabajó en esa misma línea de la Action Painting, pero con obras más figurativas. También Franz  Kline realizó pinturas abstractas y vigorosas mediante brochazos. A su vez, Robert Motherwell, con una gama casi monocromática reducida, optó por anchas franjas negras mediante gruesas pinceladas sobre las superficies blancas. Todos ellos fueron muy influyentes en otros autores posteriores.


Willem  de Kkooning: A Way of Living




Franz Kline




Franz Kline – In Action




Los cuadros de Robert Motherwell evocaron a aquellos del informalista Pierre Soulages y a los ideogramas chinos. Además, realizó obras en forma de collage. Luego fue moderando el automatismo surrealista hasta situarse en un punto medio entre esas dos tendencias: el gesto abstracto y la fragmentación figurativa. Su síntesis de la Action Painting y la Pintura de Campos de Color fue la serie Elegía a la República Española.


Robert Motherwell comenzó la serie Elegía a la República Española (de 150 obras) en el año 1949, inspirándose en el significado metafórico del amor y la muerte, y no el político de la Guerra Civil. Este artista plástico, como pensador contribuyó a divulgar la obra de la primera generación de expresionistas abstractos.


Robert Motherwell en su taller




ROBERT MOTHERWELL: ELEGIES, GESTURES AND OPENS




PIERRE SOULAGES-Bach - Concierto de Brandenburgo





La Action Painting fue la tendencia que más influyó en la segunda generación del Expresionismo Abstracto y en muchos pintores contemporáneos europeos, como Esteban Vicente y José Guerrero, entre los más destacados en la lista de artistas plásticos españoles exponentes del Expresionismo Abstracto.


Esteban Vicente. Improvisaciones concretas: collages y esculturas




José Guerrero: expresionismo abstracto de Granada en EEUU




La Pintura de Campo de Color fue otra corriente de la Escuela de Nueva York, que anticipó al Minimalismo. El crítico e historiador del Arte Irving Sandler propuso llamar Color Field a esta última alternativa del Expresionismo Abstracto, que estuvo centrada casi exclusivamente en el color y sus posibilidades expresivas.



 



La Pintura de Campo de Color comenzó hacia 1947. Los artistas crearon obras en las que dominaban amplias áreas de color, de igual intensidad. En ellas no hay contrastes cromáticos o de luz. El dibujo y el gesto se hicieron simples. En muchos casos trabajaron con un solo color con diferentes tonalidades, acercándose al Neoplasticismo, pero con áreas cromáticas abiertas.


Women of Abstract Expressionism 




Las obras de Mark Rothko, Barnett Newman y Enrico Accatino se enmarcaron en esa tendencia.

Clyfford Still fue otro de los artistas que en los años 30 trabajó en la WPA, como Jackson Pollock. Su estilo fue haciéndose progresivamente más abstracto. En la madurez estuvo dominado por obras  de fondo negro, que consideró su no color preferido. Sobre él pintó líneas verticales irregulares de colores vivos: amarillo, naranja o blanco, como llamas.


Clyfford Still






Mark Rothko comenzó su carrera hacia 1947 con figuras biomórficas. Su estilo cambió, centrándose en manchas geométricas rectangulares de colores luminosos. Organizaba la superficie del cuadro simétrica y frontalmente. El artista creó áreas lisas y contornos borrosos, que dan serenidad, lejos de la angustia y la violencia de los pintores de acción. 


Mark Rothko






La pintura de los Campos de Color culminó con Barnett Newman. Sus trabajos de contornos netos partieron de una concepción más radical, que lo llevó a ser considerado dentro de la sensibilidad postpictórica y minimalista. Su estilo maduro se caracterizó por el  predominio de un solo color plano y uniforme, interrumpido por unas finas bandas verticales (zips).


Barnett Newman






Enrico Accatino, por su parte representó la tendencia italiana de los Campos de Color, dentro del Expresionismo Abstracto. Se graduó en la Academia de Bellas Artes en Roma y en 1947, después de la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París. Allí, durante los años de posguerra se desempeñó como pintor, escultor y diseñador creó obras dentro del Realismo político.


Chiude lo studio di Enrico Accatino






Adolph Dietmar Friedrich Ad Reinhardt realizó pinturas con rectángulos paralelos o perpendiculares, usando pocos colores: rojo, azul y negro. Se le atribuyó la expresión: menos, es más, que se convirtió en el lema del Minimalismo. Por eso se lo consideró su precursor y una figura de transición  hacia ese movimiento, y también pionero del Arte Conceptual y  Neodadaísta. Como teórico influyó con su escrito: Doce reglas para una Academia, de 1957. 


Ad Reinhardt- Suite bergamasque de Claude Debussy





Una corriente minoritaria dentro del Expresionismo Abstracto estuvo formada por aquellos artistas que hicieron del signo el protagonista de sus obras y crearon un Simbolismo Abstracto, una modalidad intermedia entre la Pintura Gestual y la de los Campos de Color. Estos pintores por medio del símbolo dotaron a sus creaciones de gestualidad, violencia y libertad muy próximas  a la Pintura Acción (Action Painting).


Representación, Simbolismo Y Abstracción





Este Simbolismo Abstracto sirvió para ordenar el lienzo por zonas cromáticas claras y controladas que remitía al delicado modo característico de la Pintura de Campos de Color (Color Field Painting). En esa tendencia se enmarcó  a Adolph Gottlieb, con sus obras surgidas del Inconsciente, como en el Surrealismo. La producción de su madurez tuvo un fondo ocre con una mancha esférica y sobre ella otra de amarillo intenso.


Adolph Gottlieb - Beethoven Symphony N° 9





El Expresionismo Abstracto se desarrolló en los EE. UU. De Norte América, a lo largo de dos décadas aproximadamente. Después se difundió por Sudamérica, Europa y Japón. La Segunda Generación Expresionista estuvo integrada por un grupo de una treintena de artistas que alcanzaron su madurez hacia 1950.



Expresionismo Abstracto


Los congresistas republicanos de USA creían que las obras del Expresionismo Abstracto eran instrumentos de propaganda comunista al servicio del Kremlin, sino que atentaban directamente contra el estilo de vida americano, distorsionando intencionadamente su imagen ante los ojos de todo el mundo.

 


Según publicó en 1939 Clement Greenberg en su ensayo Vanguardia y kitsch, los dictadores sabían que las masas preferían el Kitsch, porque podían gozarlo y entenderlo sin esfuerzo. Así lo convirtieron en la cultura oficial de sus regímenes, por demagogia, para halagarla sin elevar su nivel intelectual. Ese movimiento los mantuvo próximos al alma del pueblo.


Según ese crítico, Por su parte, la élite intelectual del momento consideraba que, toda potencia mundial tenía un arte que la identificaba y llevaba su imagen por el mundo. Los Estados Unidos de la posguerra eran el centro económico y político y debían serlo en lo cultural.  El Expresionismo Abstracto fue la estética elegida para representar a esa nación.


Expresionismo Abstracto





Los artistas, por vanguardistas que fueran, necesitaban de los ricos para desarrollarse, ya que eran los únicos que podían comprarlo. No importaba que el pueblo llano estuviera a favor o en contra del artista y su obra, que, sin el dinero de las élites, éste no podría crear. Esta idea fue del magnate Nelson Rockefeller, defensor del Expresionismo Abstracto.


Nelson Rockefeller


Luego de ingresar en el MOMA, el Expresionismo Abstracto pasó extenderse por el resto del mundo. La mayor parte de los artistas plásticos cuya obra se difundió por Europa en 1964, sufrió la influencia de Jackson Pollock. Entre ellos se destacó el grupo femenino, integrado por Grace Hartigan, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell y Hedda Sterne.


Meet Grace Hartigan





Helen Frankenthaler





Hedda Sterne





Women Artists and Postwar Abstraction 





Expresionismo Abstracto formó desde la vanguardia un equipo de relevantes artistas integrado por: Samuel Lewis Francis, Jean Paul Riopelle, Pierre Soulages y Antonio Saura. El movimiento dominó la Plástica hasta 1960, cuando surgió el Arte Pop y el Minimalismo. Incidió en otras tendencias pictóricas como el Informalismo y el Tachismo.


Sam Francis





Jean Paul Riopelle. Abstraction spontanée 





Pierre Soulages. Processus de création





Pierre Soulages, la lumière du noir





Antonio Saura contra el franquismo





ANTONIO SAURA- Arnold Schoenberg




Cosmogonía Vasca



Aymeric Picaud 


El monje benedictino Aymeric Picaud de Parthenay le Vieux, en la región de Poitou, en el siglo XII hizo  el Camino de Santiago,  peregrinando a caballo, visitó santuarios de la cristiandad y describió detalladamente pueblos y contó historias de su viaje. Tradicionalmente, se le ha atribuido el Codex Calixtinus,. Su quinto libro, la Guía del Peregrino fue  escrito, aproximadamente, en 1140. 




Sin embargo, Bernard Gicquel demostró que hacia 1135 el benidictino habría sido sólo el compilador de los 22 milagros atribuidos posteriormente a Calixto II y reunidos en el Codex Calixtinus. El autor de la Guía del Peregrino habría sido realmente el monje Hugo el Potevino, redactor de la Crónica de Vézelay. Aymeric Picaud escribió que los vascos: et Deum vocant Urcia (y llaman a Urci a su dios).




La principal deidad femenina en esa cultura antigua era la ctónica Mari y en Oñate aseguran su pareja era el genio telúrico Maju, representado como una serpiente carnívora, con la cabeza cubierta de fuego. Pero en  Goyerri los relatos afirman que el compañero (también terrestre) de la diosa era Sugaar, aunque podría tratarse de la misma entidad, mencionada con nombres  diferentes. Maddi tenía dos hijos: Mikelats y Atarrabi.


Mari y Maju


Urtzi (Ortzi  u Ost) un dios celeste (del cielo) era una divinidad suprema, generadora de los fenómenos atmosféricos, que varían según su estado anímico. Por algún tiempo, se lo personificó como humano. Tiene el poder de controlar la naturaleza. Las leyendas sobre él cuentan que fue quien formó el mundo y el cielo azul, y que estuvo presente desde la creación, cuando sólo había firmamento y espacio.

 



Urtzi


Sin embargo, todo era muy pequeño para que pudiera existir dentro de él, como en el Big Bang. Urtzi tenía como su pasatiempo favorito, jugar con mínimas partículas. Esto le permitió a esta deidad, crear una gran obra con muchos juguetes. Por entretenimiento tomó una de las partículas con las que jugaba y la hizo crecer tanto  que explotó, lanzándose a gran velocidad en distintas direcciones.



Big Bang


La gigantesca explosión logró que el Universo se extendiera aún más de lo que ya estaba, y varias partículas, producto de la explosión, se convirtieron en una gran piedra resplandeciente, y luego se transformó en muchas estrellas que brillan en el firmamento. Mientras, que una parte de las partículas se enfriaron y se transformaron en planetas.




El espacio era un lugar oscuro, y a partir de este estallido, obtuvo las luces observables provenientes de las brillantes estrellas de distinta intensidad y magnitud. Urtzi fue el dios responsable de la creación. Él estaba tan satisfecho con los resultados de su obra, que pensó tomar los planetas y darles formas singulares. A uno de ellos lo coloreó de rojo (Marte) y a otros les puso anillos, (como a Saturno).



Marte y Saturno


Urtzi  advirtió que existía junto a él un planeta. Lo tomó y coloreó de azul. Luego observándolo minuciosamente advirtió en él un gran desorden  y la presencia de  agua abundante y barro. Notó que había creado muchos elementos y  que necesitaba el apoyo  y la asistencia de un ayudante para ordenar lo creado.  El colaborador que produjo fue un planeta denominado como la diosa Amalur, conocida como la Madre Tierra.


Amalur, la Madre Tierra



La diosa Amalur comenzó a trabajar dividiendo las aguas de las tierras. Así formó una gran isla. Posteriormente se dispuso a crear el mundo de las plantas (los vegetales). Agotada por tan gran esfuerzo, fue a descansar a las orillas del mar. Allí  llamó al dios Urtzi, y le rogó que le prestase algunos asistentes para cuidar y salvaguardar los bosques y las distintas especies  que habitaban el mar. 





Título original: Ama Lur / Tierra Madre
Dirección y guión: Néstor Basterretxea, Fernando Larruquert
Producción "Frontera Films Irún" para "Distribuidora Cinematográfica Ama Lur, S.A.".
Fotografía: Luis Cuadrado, Julio Amostegi
Montaje: Pedro del Rey, Néstor Basterretxea, Fernando Larruquert
Música: Seleccionada entre diversos autores vascos y aires populares
Año: 1968 (Remasterizada en DVD en 2007)
País de producción: España
Formato: 35mm, Eastmancolor, Techniscope
Formato copia: DVDRip
Duración: 103 min.


El dios Urtzi, como respuesta a lo solicitado por Amalur, creó a Basajaun, la deidad de los bosques y el responsable de protegerlos, y éste creó a las lamias, cuidadoras de las aguas y los seres vivos, que  son conocidas con diferentes nombres, dependiendo del territorio en el que relatase su historia. Entre otras muchas denominaciones entre los vascos tuvo las siguientes: Maya, Loana Gorri, Lezeko Andre y Aralarko Damea.

 

Lamia – Herbert James Draper


Lamia era una criatura femenina que la Mitología Vasca compartió con la antigüedad clásica, que  asusta ba a los niños y era una seductora terrible. Se la concibió como un personaje individual y como un tipo de monstruos. Se la asoció con figuras similares de la cultura griega (Empusa) y hebrea (Lilith). Entre vascos, gallegos y búlgaros hay tradiciones sobre lamias, que construyeron edificios y esculturas como el oráculo de Eros.